La imagen representativa del blues del Delta del Mississippi,
la del hombre inclinado sobre su guitarra acústica o, alternativamente,
inclinado sobre su armónica, que gime frente a un micrófono en un club impregnado
de sudor, está tan arraigada en la conciencia colectiva, que a veces provoca un
impacto a muchos que desconocen que las primeras estrellas del blues fueron mujeres.
De hecho, las mujeres dominaban el campo de las grabaciones de blues en la
década de 1920, el primer Decenio en el que existió un mercado para las grabaciones
de blues. Excepto por las más famosas de estas cantantes, estas pioneras han
sido olvidadas, habiendo sido superada su anterior popularidad por algunos
bluesmen sureños, quienes sólo grabaron un precioso puñado de cortes entre los
años 1920 y 1950. Pero estas mujeres fueron las intérpretes que llevaron al blues
a lograr una audiencia nacional.
La popularidad de las primeras mujeres en el blues estuvo
íntimamente vinculada al nacimiento de la propia industria de la grabación.
Existen muchos tipos de blues que nacieron y crecieron a lo largo del siglo XX
para los guitarristas del Delta, sí, pero también hubo cantores, jug bands y
bandas de baile que empleaban elementos del jazz, de los blues y del pop. Y los
circuitos en la etapa de los teatros de variedades frecuentemente presentaban
destacadas cantantes. Debido a que viajaban mucho para presentar sus
producciones, los músicos involucrados pudieron no haberlos interpretado
directamente, pero se expusieron a diversas formas del blues, si es que no
habían estado expuestos ya con anterioridad.
Así que las mujeres cantaban blues con un fuerte sabor a
vodevil – jazz – pop y fue el primer tipo de blues en llegar a impactar sobre
la audiencia popular. Hay muchas razones para ello. Quizás las compañías discográficas consideran
que los otros estilos de blues eran demasiado crudos para el mercado. O pueden
haber sido en gran medida inconscientes de los estilos de blues más rural y del
Sur. Las cantantes de blues de variedades tenían un repertorio y un sonido más
urbano, lo cual pudo haber facilitado su aceptación e impulso por parte de las
empresas comerciales.
Lo más cierto es que "Crazy Blues", grabada por Mamie Smith en 1920, fue la primera
grabación comercial que llegó a ser reconocida como blues. Según los estándares
del día, la grabación fue un éxito fenomenal, vendiendo 75.000 copias dentro del
primer mes en su época, debe recordarse, cuando gran parte de la población
estadounidense y un porcentaje aún mayor de la población afroamericana de
Estados Unidos, no poseían tocadiscos. Este logro desencadenó una tormenta
inmediata de grabaciones semejantes, por parte de Smith y muchas otras mujeres.
Pero para el oyente de hoy, "Crazy Blues" apenas
suena a blues. Se parece más a las canciones de variedades con un poco de blues
arrastrándose en los bordes de la entrega vocal y la estructura de la canción.
El más crítico podría encontrar que se asemeja a la música de las producciones
contemporáneas de Broadway, que ofrecen un facsímil nostálgico de teatro afro
descendiente previo a la depresión. Sin embargo, la canción tiene que tomarse
en el contexto de su época. Era la primera vez que se grababa algo referido de
manera concreta a la forma del blues y la industria rápidamente encontró que
este tipo de producciones las estaban comprando no sólo los negros, sino todos
los estadounidenses.
Hoy, las primeras grabaciones de las vocalistas "clásicas"
del blues, como a veces han sido etiquetadas, suenan más como jazz blues. Estas
cantantes generalmente estuvieron acompañadas por pequeños combos de jazz, a
menudo con piano, corneta y otros instrumentos de viento. La guitarra, el
instrumento esencialmente asociado con el blues, solía estar ausente y cuando se
usaba, jugaba un papel secundario. Muchas de las primeras estrellas del jazz,
de hecho, se pueden escuchar en las primeras grabaciones femeninas de blues,
como Louis Armstrong, King Oliver, Duke Ellington y Coleman Hawkins.
Pero la música se identifica como blues principalmente por el
fraseo vocal y el uso generalizado de las estructuras de 12 compases en las
canciones, lo que se encuentra entre las señales distintivas de la mayoría de
los blues. Y no es una forma que prosperara de manera aislada con respecto a
los otros estilos de blues que estaban surgiendo en todos los EE.UU. Como lo
escribió uno de los principales eruditos del blues, Samuel Charters, en sus notas
en la carátula de “Blues Masters Volume 11: Classic Blues Women, "incluso
los hombres que viven en el sur y tocar el blues para sí mismos y para sus
vecinos, aprendieron muchas de sus canciones de las grabaciones que bajaron
hasta las tiendas locales de música o a través de la Oficina de correos de las
empresas de blues en Chicago. Si no aprendieron las canciones propiamente
dichas, se enteraron de la forma y el estilo del que las compañías
discográficas pensaban cuando se referían al blues.
"Así que cuando las empresas enviaban cazatalentos para
encontrar a nuevos artistas en el sur, lo que encontraron fueron exponentes que
tenían la misma manera de agrupar tres o cuatro versos de blues. Tras el éxito
arrollador de las primeras grabaciones de vocalistas femeninas de blues, la
forma de la barra de 12 compases en las grabaciones se había hecho tan común
que incluso los músicos del Delta que solían puntear una sola cuerda en sus
guitarras, sugerían todos los cambios habituales de acordes con su canto. "
El blues también podía escucharse en las discusiones francas
de los cantantes sobre temas como el sexo, la infidelidad y los problemas de
dinero y bebida, a menudo con un daño palpable. Estos se ofrecían desde una
perspectiva femenina que nunca antes había sido tan extendida en el blues,
incluso cuando la música llegó a ser dominada por artistas masculinos después
de la depresión. Los oyentes de todas las épocas pueden percibir a través de
las grabaciones, a menudo rayadas, las semillas de los blues y mucha de la música
pop moderna, en su representación de los tiempos difíciles y la lucha y la
resistencia necesaria para sobrevivirlos. No todas las melodías le rinden
homenaje a la desolación; también podrían mostrar una verdadera obscenidad, al
hacer referencias sexuales de doble sentido que probablemente llevaría a poner
letreros de advertencia y censura para prevenir su compra por parte de los adolescentes
de hoy.
Pero no fueron los factores económicos los que condujeron a la
desaparición de las cantantes clásicas de blues. La música afroamericana urbana
era cada vez más avanzada y elaborada. El swing y el sonido de las big bands
llegaron a un buen nivel en la década de 1950, volviéndose el acompañamiento estándar
común, de modo que el sonido de las grabaciones de las cantantes de blues de
los años 20 pareciera algo insípido en comparación. Y el circuito de variedades
y teatros que apoyaba a los cantantes se fue desmoronando, amenazando los
medios de subsistencia que por años disfrutaron y les bridaron importantes
recursos (para los estándares afroamericanos de los años 20). Muchos no
pudieron hacer grabaciones o, después de unos años, incluso presentarse en vivo;
la historia de Mamie Smith, quien murió sin dinero en 1946, lamentablemente no fue
el único. Bessie Smith y Ma Rainey habían muerto en 1940.
Es posible que muchas de las mujeres que habían comenzado siendo
cantantes de blues en la década de 1920 terminaran como vocalistas de jazz. El Jazz en su totalidad demostró ser mucho más
fructífero para las cantantes mujeres al frente de una banda de blues que en
las décadas posteriores. Billie Holiday, aclamada por muchos como una de las
mejores cantantes del siglo XX, sin duda debió mucho a las cantantes de blues
los 1920. Varios de sus cortes iniciales podrían clasificarse como blues jazz.
La sensación del blues permaneció destacada en muchas, si no en todas, de las
principales cantantes de jazz, de Dinah Washington a Cassandra Wilson.
El recuerdo de las estrellas femeninas originales del blues
de los 1920 no desaparecerá por completo. Alberta Hunter, por ejemplo, se hizo
más popular después de la década de 1920 e hizo una reaparición inesperadamente
exitosa como estrella senior en las décadas de 1970 y 1980, después de unos 25
años de retiro. Ethel Waters se expandió en el jazz y luego en el cine,
obteniendo una nominación al Oscar para mejor actriz de reparto en una película
de 1949. Victoria Spivey, volvió a grabar de forma activa en la década de 1960
y formó su propio sello; Bob Dylan hizo su primera aparición en una grabación
oficial de la compañía, tocando la armónica en una sesión de Big Joe Williams.
La reactivación del blues en la década de 1960, sin embargo,
pasó en gran medida de las cantantes clásicas del blues, aunque Sippie Wallace
grabó un álbum con la Jug Band de Jim Kweskin. Las vocalistas tuvieron una
influencia considerable en las cantantes pioneras Janis Joplin y Tracy Nelson
(quien grabó un álbum de canciones de Ma Rainey y de Bessie Smith al final de
su carrera), influyendo así en intérpretes de rock de los años 60 que nunca las
habían escuchado de forma original. En cualquier caso, los estilos en que
grabaron las primeros cantantes de blues, terminaron por influir sobre todo el blues,
el rock, el soul y el pop que se escucharía en casi todo el mundo a partir de Aretha
Franklin.
Los siguientes 10 álbumes podrían considerarse como los ejemplos más representativos de las vocalistas clásicas de los blues:
- Various Artists, Blues Masters, Vol. 11: Classic Blues Women (Rhino)
- Bessie Smith, The Collection (CBS)
- Ma Rainey, Ma Rainey (Milestone)
- Sippie Wallace, 1925-29 (Alligator)
- Victoria Spivey, 1926-51 (Document)
- Mamie Smith, In Chronological Order; Vol. 1 (Document)
- Lucille Bogan, 1925-55 (Story of Blues)
- Alberta Hunter, Young Alberta Hunter (Vintage jazz)
- Ethel Waters, ]azzin’Babies’Blues, 1921-1927 (Biograph)
- Various Artists, Womens Railroad Blues: Sorry But I Can ’t Take You (Rosetta)
